舞台剧

  舞台剧可以理解为在舞台上呈现的戏剧,按表现形式的不同可分为话剧歌剧、舞剧、哑剧、诗剧等,按照剧情内容结局分可分为悲剧、喜剧、正剧、闹剧、问题剧等。

舞台剧类型

话剧《恋爱的犀牛》
话剧《恋爱的犀牛》
  【话剧】 以对话和动作为主要表现手段的戏剧。比其他戏剧形式更接近真实生活。西方一般通称戏剧。我国话剧最早出现在辛亥革命前,称文明戏或新剧。曾在上海、武汉等地盛行,后渐衰落。影响较大的团体有春柳社、春阳社等。五四运动后,现代话剧兴起,称爱美剧或白话剧。1928年由洪深提议,改称话剧。
  【歌剧】 以歌唱及器乐为主要表现手段,并综合诗歌、舞蹈等艺术形式的戏剧。近代西洋歌剧源于16世纪末的意大利,通常由咏叹调、宣叙调或说白以及重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞曲等组成。我国传统戏曲,也是以歌唱为主要表现手段的戏剧。五四运动以来,具有民族特色的中国新歌剧开始发展起来。
  【舞剧】 以舞蹈为主要表现手段,并综合音乐、哑剧等艺术形式的戏剧。一般以民族民间舞或古典舞为基础,通过各种舞蹈语言塑造形象,表现情节或冲突。欧洲古典舞剧一般统称“芭蕾”。
  【哑剧】 不用台词对白,只以表情、动作表达剧情的戏剧。源于古代的情节性舞蹈。最早在印度、埃及形成无声表演的艺术形式。后在许多国家发展为一种独立的表演艺术。也有的被用作其他戏剧形式的表现手段。
  【诗剧】 用诗体对话的戏剧。西方19世纪前多用此形式。有的并不适合剧场演出,只供阅读用。
  【悲剧】 戏剧的一种类型。戏剧冲突一般表现为主人公所从事的事业,由于自身的过失或恶势力的强大与迫害而导致失败,甚至个人受难或毁灭。世界上最早出现的是古希腊的“命运悲剧”。近代以来又出现了“英雄悲剧”、“恐怖悲剧”、“家庭悲剧”、“社会悲剧”等形式。中国传统戏曲和当代戏剧中,也不乏描写悲剧矛盾冲突的优秀作品。
  【喜剧】 戏剧的一种类型。以巧妙的结构和夸张的手法,通过讽刺或嘲笑、幽默或诙谐的表演和台词,揭露丑恶和落后事物的本质,使观众在笑声中否定反面、肯定正面的人和事。按描写对象和手法的不同,一般又分为讽刺喜剧。抒情喜剧、幽默喜剧和闹剧等样式。
  【正剧】 戏剧类型之一,亦称“悲喜剧”。西方18世纪兴起的戏剧。理论上由狄德罗首创,称“严肃的喜剧”。后博马舍又作了发挥,定名为“严肃戏剧”。特点是兼有悲剧与喜剧的因素,不受传统戏剧创作原则的束缚,能够多侧面地反映社会生活。现已为各国戏剧家广泛采用。
  【闹剧】 又称“笑剧”。喜剧的一种极端形式。由古希腊喜剧演变而来。15世纪后在欧洲开始流行(主要是法国)。特点是用强烈的夸张和滑稽手法刻画人物,对喜剧创作影响很大。
  【问题剧】 又称“社会问题剧”。19世纪中叶欧洲兴起的一种戏剧。多以批判现实主义精神,揭露资本主义社会中某些丑恶现象,提出令人深思的社会问题。不少作品宣扬了个人的叛逆精神。如易卜生的《娜拉》、《人民公敌》等。

创作来源

  舞台剧的剧情可以原创也可以根据小说、动漫、电视剧、电影等改编而来。舞台剧基本上采用“演唱+舞蹈+对白”这样的形式,再加上是现场演出,所以对演员的要求非常高。另外还不可避免的涉及到音乐、剧本、造型、舞台设计、灯光等专业技能,所以一台成功的舞台剧所具备的条件是很苛刻的。
  由于现代科技的进步,不仅舞台的配套设施日臻完美,而且舞台自身的功能愈发齐全——灯光的旋、扫、闪,装置的升、移、摇,音效可以在剧院环绕,影像可以在舞台升腾;舞台可以横移,舞台可以旋转,舞台可以云山雾罩,舞台可以呼风唤雨。

剧本创作技巧

  舞台剧包括的种类很多,比如戏剧、话剧等等都属于舞台剧。一般来讲,舞台剧的创作还是有一些自身的自然规律的,比如主题思想、故事情节等等。我们要想创作出一部优秀的舞台剧,除了灵感和创作的冲动外,还是要掌握一些艺术的技巧的。
  一、要温情不要煽情
  这个题目,其实是已故我国着名女导演张暖忻说过的一句话。这是她的电影艺术总结,其实对于我们舞台剧的创作来说,也未尝不是一个很好的借鉴。我们看现在很多的电视连续剧,无不是恶俗煽情令人作呕。其实很多时候我们看到的并不是文化精品,从某种角度上讲,我们的电视人电影人很多时候生产的都是文化垃圾。
张柏芝舞台剧照
张柏芝舞台剧照
  我一直认为,做为舞台剧的创作来讲,是要给人以高层次的审美享受的。显然我们很多导演在创作中由于对生活观察的不够,已经生命体验的匮乏,很容易便将情节落入煽情的俗套。
  二、个性的语言设计
  舞台剧的语言设计是很重要的,根据我们要表达的主题的不同,剧情的不同。表达内涵的不同,语言的应用也可以使多种多样的。尽可能不要局限在一个框架之内。比如有些时候要用口语,而有些时候可以用一些诗化的语言。前些年有一部热播的连续剧《大明宫词》就很好营运的莎翁式的对白,结果起到了意想不到的效果。我们说艺术的创作没有定式,在舞台剧中尤其如此。
  三、深刻的主题高度
  舞台剧一般来说面对的观众人数不会太多,相比电视电影来讲属于小众传播的途径。而对于关心舞台剧的观众来讲,文化层次大多还是比较高的。所以我们在主题设置的时候一定要有深度,一定要反映普遍的人性,已经人类在命运面前的无奈与渺小。
  其实中国的话剧还是有很高的艺术水准的,比我们的电影要强的多,我们的电影现在全方位接受好莱坞的路子,而我们的话剧却依然坚持着自己的追求和探索,并没有盲目的效仿百老汇。从这一点上来讲,就对我们的舞台剧创作人员提出了更高的要求。
  四、自然流畅的情节设置
  情节的设置很重要,人物与人物之间的矛盾、高潮、转机等等,都要通过情节的铺陈来表现,现在有些实验剧的创作者,提出了反情节,反高潮的路子。我们说,这样的艺术探讨是可以在小范围被允许的,但对于一台面对观众的真正的舞台剧来讲,是不合适的。比如有一个年轻导演叫李红旗,前段时间拍了个骗子叫《黄金周》全片没有一点剧情,甚至连人物的表情都没有。观众看下来一头雾水。我们说这样的创作其实说到底还是一种奇观效应。并不能满足广大人民的文艺需求。
  五、把握人物性格,揭示人物性格的矛盾。
  在很长一段时间里,我们的剧本创作,对人物性格的把握存在过于单一化,过于脸谱化的倾向,好人就是好人,坏人就是坏人,黑白分明。但其实生活中的人,大多数都数灰色的,你很难界定一个人的好坏。人本身也就是一个矛盾的对你统一体。所以我们人物性格的设置时,切忌平面化,一定要全方位立体化的表现人物的复杂性格。比如司马迁写《史记》《李将军列传》的时候,对李广的人物表现,就很立体,既表演他亲善士兵、英勇无敌的。又表现他颐指气使,心胸狭隘的一面。
  总之,在舞台剧的创作中,一定要掌握一条美学的底线就是有对人性的终极关怀,不媚俗、不煽情。要拿出真诚和激情来对待自己的创作。

日本舞台剧

  日本的舞台剧形式其实跟众所周知的欧美音乐剧差不多,而比较有名的有宝冢歌剧团、四季剧团、音乐做Musical等等具有代表性的剧团,以及东宝等等制作公司推出的专业方式混合的日本舞台剧。而实际上就制作方面来说,主要是针对东京为中心的首都圈,位于兵库县的宝冢歌剧团则是主导首都圈以外地方上的演出。
  日本的舞台剧种类多样,从百老汇的经典剧目,到具有日本本国特色的各种剧目,应有尽有包罗万象。而这其中,首先以当年在日本推出第一部舞台剧的宝冢歌剧团为最亮眼的存在,她们创作伊始就秉承着“能让男女老幼都享受到的剧目”的理念,从1914年推出了日本的第一部舞台剧,从此拉开了日本舞台剧的帷幕,并且现在依然是雷打不动的日本国宝,甚至受到世界各国的推崇。
  可以发现,从1914年到现在,日本舞台剧已经发展了接近一个世纪,所以早已度过成熟期达到了百花齐放的繁荣期,并且也开始出现各种各样的舞台剧,比如宝冢代表的唯女性演员的超级华丽舞台剧,甚至杰尼斯、Hello Project公司推出的各种偶像类舞台剧等等,从传统到新式,从优雅到通俗,从西化到完全的东方故事等等,应有尽有。
  说道日本的舞台剧,那么有两个人物,森光子和森繁久弥则不可不提,而大名远播甚至在我国也掀起过旋风的宝冢歌剧团,更是不可忽视,这两人一团可以说是日本舞台剧的代表。

·代表剧目《SHOCK》

《SHOCK》中的堂本光一
《SHOCK》中的堂本光一
  《SHOCK》是反映日本集体文化的舞台剧,更可说是日本历史剧和现代剧的集合,集合了魔术、杂技、舞台剧、歌剧和日本演剧等多种不同的元素,再加上华丽的舞台和服装,以及光一精彩的演出,令每年的公演都一票难求。每年都造成全日本数百万人轰动,却只有几万人能幸运中选前去“朝圣”的,堂本光一主演的舞台剧《SHOCK》,将在明年3月29日划下最完美的句点,并将推出让万千粉丝日夜期盼的原声CD和最新的完整版DVD!
  2000年11月,堂本光一在有东方的百老汇之称的日本帝国剧场主演了《MILLENNIUM SHOCK》,并成为日本历史上最年轻的座长(我国称为剧团团长,在日本有“帝剧座长就是帝剧的天神”一说),堂本光一最年轻座长的纪录保持至今仍然没有人能打破!随后每年都会在帝国剧场上演的《SHOCK》,包含了舞台剧、我国川剧变脸、杂技、魔术、日本演剧等多种要素在内,被其制作人,杰尼斯事务所社长喜多川固执地称为“秀剧”。且“SHOCK”并不呆板墨守陈规,而是会随着每年名字的变化,内容也会不断推陈出新!
  每年的SHOCK虽然只在帝国剧场演出,却吸引了全球各地的人前去观看,抢票率年年都会创下惊人的纪录,几乎是一开始购票就立刻卖光,且还有上百万人买不到!堂本光一更因此于去年举办了第一次的全国巡回个人演唱会,内容以 “SHOCK”为中心,尽量以类似舞台剧的形式为表现手法,以补偿日本地方上不能到帝国剧场观赏SHOCK的粉丝们的遗憾。

真人舞台剧

  真人舞台剧又叫角色扮演,即cosplay。
  在人类历史传统上,Cosplay主要被用作演绎神话传说、民间逸闻、节日故事、文艺作品、哲理学说、祭祖情节、振奋助兴情节、侧绎愿望诉求、心灵幻想等,并以相应的服饰、道具和情节,把要演绎的角色和内容活灵活现地呈现出来。
  比如说有希腊祭祀们的装扮,继而有两部伟大希腊史诗《伊利亚特》和《奥德赛》的那群活跃于公元前8世纪的游吟诗人们扮演着别人的角色。前者引变为后世的先知、先见,成功地演绎出神之使徒的存在,而后者则如同是现今舞台话剧的鼻祖,出神入化地演绎出若干英雄事迹。
  欧洲的游牧民族吉普赛人也可以说是最早的一批扮装表演者。每当路经一地,为了生存,他们就透过演出神话传说、民间逸闻、吟游弹唱的方式来获得面包与水,这其中各种演出用的服饰与道具自然是必不可少的装备。
  随时随地举行的角色化妆舞会、万圣节游行、新年大游行、国庆日游行活动或特别盛典时中,不少人装扮成节日故事的人物或各类吉祥物,浓厚的扮装文化得以体现。

·代表剧目《木偶奇遇记》

  此舞台剧的构想要特别感谢意大利著名Carlo Collodi基金会及国家文化文化协会,本剧于2000年9月,在第一届蒙特卡罗匹诺曹文化艺术节中首演,当时的演出是在托斯卡纳的城市公园内举行。
真人剧《木偶奇遇记》
真人剧《木偶奇遇记》
  当年首次演出,在当地引起了强烈的反响,成为艺术节最耀眼的舞台。市民们兴奋的跟随音乐家们一起跳跃舞蹈,穿过整个城市和公园。整个的表演队伍中人们可以看到身着各色服装的童话仙子、孩子们、猫、狐狸等动物。
  通过连续的演出,该剧取得了巨大的成功,于是创作者们继而将该剧又改编成了适合在剧场内演出的演出。确定了一个改编后的剧本,完全在室内的演出。我们将演出的定位,放在儿童和成年人身上。因为我们相信一个事实,即《匹诺曹》的作品是最受广大观众欢迎和喜爱的一本世界性文学作品。
  这部作品并不是一部全新创作的作品,而是依托先前创作的一部剧场童话《小王子安托万德圣》而改编的;直到现在广大观众也认为它是多部舞台剧作品之中最好的一部。
  事实证明《匹诺曹》的上演在意大利获得了巨大的成功!
  值得一提的是,时装屋的设计师罗伯特·卡沃利赞助了这部剧目原声带的录制。并且所有的销售收入都将捐赠给佛罗伦斯儿童医院。
  这是人道主义的精神,许多著名歌手和音乐家都参与到了这部剧目原声带的录音工作中。在录制完成的CD当中展现了多种有趣的音乐风格。

舞台剧奖项

·托尼奖

  托尼奖全称为安东尼特·佩瑞奖,是由美国戏剧协会为纪念该协会创始人之一的安东尼特·佩瑞女士而设立的。托尼奖设立于1947年,被视为美国话剧和音乐剧的最高奖,共设21个奖项,获提名剧目均是在百老汇各剧院演出的剧目。1947年4月6日,第一届托尼奖在纽约市着名的华尔道夫大饭店揭幕,并由佩瑞的好友兼合作伙伴、美国戏剧协会主席布鲁克·佩贝顿主持。当时的决策机构6 人委员会聘请了15位专家,通过秘密投票方式选出了获奖人。
  这两年的托尼奖获奖剧目在题材方面没有局限,范围非常广泛。不过,在评奖方面,似乎更偏重于英国戏剧,如今年的《高校男生》、去年的获奖或提名作品《枕头人》、《民主》等,都是在英国上演并获得了好口碑后才引进百老汇。
  托尼奖对中国戏剧和戏剧界的影响也越来越明显,比如去年获托尼奖的作品《怀疑》就曾同步引进国内,由中国国家话剧院演出。上海话剧艺术中心也很关注托尼奖作品,每年会翻译演出五至六部。而今年2月,《高校男生》在香港艺术节的上演,就曾在中国业内引起轰动,从那时起我们就已经关注这个剧本。这是一出反映英国教育题材的戏剧,我们国内也曾引进这类的剧目,这种题材适合在国内上演。
  此外,托尼奖的评奖机制对中国也有一定的借鉴作用,托尼奖的评委都是一些制作人或是具体操作的人,因此奖项的评比会直接影响到戏剧制作、创作和表演的形式。

·菊田一夫演剧赏

  菊田一夫演剧奖设立于1976年,该奖项是为了纪念剧作家菊田一夫而于1975年设立的,至今已有30多年的历史。该奖旨在表彰全日本为舞台艺术做出杰出贡献的人士或团体,堪称日本音乐剧届最高奖项。

·香港舞台剧奖

  香港舞台剧奖是1992年由香港戏剧协会创立,每年颁发多个奖项与本地制作,表扬台前幕后等专业人士,奖项包括最佳演出,最佳男女主角奖(悲/正剧,喜/闹剧),最佳导演(悲/正剧,喜/闹剧),最佳编剧,最佳舞台设计等,另每年设特别奖项。
  奖项由香港戏剧协会会员提名及投票选出。
  另,很多国内外的电视电影奖项也会为舞台剧开辟独立奖项。

著名导演

·赖声川

赖声川照
赖声川照
  赖声川1954年生于美国华盛顿,美国加州柏克莱大学戏剧博士,现任台北艺术大学教授、美国史丹福大学客座教授及驻校艺术家。赖声川29岁开始剧场创作,被誉为“台北剧场最闪亮的一颗星”。他的《那一夜,我们说相声》使濒于灭绝的台湾相声起死回生,《暗恋桃花源》成为经典舞台剧,二十多年来为喜爱戏剧的人们所称颂。赖声川至今编导舞台剧20多部(包括轰动亚洲的七个半小时史诗《如梦之梦》)、电影2部(包括享誉国际的《暗恋桃花源》)、电视作品300集(包括家喻户晓的《我们一家都是人》),另有剧场导演作品22部(包括莫扎特歌剧3部)等。出版书籍《赖声川的创意学》,这是国内第一本将创意规则化、步骤化的实用工具书。

·林奕华

  林奕华,香港出生,是香港文化界著名人物,亦是一位同性恋人士。他曾写过多套舞台剧,部份剧作探讨同性爱及异性爱之间的异同。
  林奕华中学毕业前曾在前丽的电视及电视广播有限公司担任编剧。毕业后与友人组成前卫剧团进念。二十面体。1989年至1995年在伦敦居住,期间组成非常林奕华舞蹈剧场,先后在伦敦、布鲁塞尔、巴黎、香港发表舞台创作。1994年凭《红玫瑰白玫瑰》(关锦鹏导演)获台湾金马奖最佳改编剧本奖。1995年回港后致力推动舞台创作,编导了超过40出作品,并与不同媒体、不同城市的艺术家及团体合作。1995年获香港艺术家年奖,2005年获颁授“民政事务局局长嘉许奖”。

·孟京辉

  孟京辉1964年生于北京。1986年首都师范大学中文系本科毕业。 1991年中央戏剧学院导演系研究生毕业,获文学(艺术)硕士学位,1992年进入中央实验话剧院(现中国国家话剧院)。中国国家话剧院导演,国家二级导演,着名青年先锋戏剧导演,电影导演。他执导的《思凡》《一个无政府主义者的意外死亡》《百年孤独》《恋爱的犀牛》、《臭虫》、《关于爱情归宿的最新观念》、《琥珀》、《镜花水月》、《艳遇》都引起了强烈的反响。曾荣获第55届瑞士洛迦诺国际电影节评委会“特别关注奖”,香港国际电影节费比锡影评人大奖,在话剧领域反响很大。

·蜷川幸雄

  蜷川幸雄,生于日本埼玉县川口市。日本知名剧场导演、电影导演、演员,是日本当代戏剧的代表人物之一,执导多部莎翁戏剧。蜷川幸雄常启用并培养演剧新人,发掘了被称为“日本30年难得一遇的舞台天才”的藤原龙也。

·崔喆基

  崔喆基的两部作品韩国音乐剧《乱打》与《开心炫打》在韩国长演不衰,曾在爱丁堡艺术节上大放异彩,在美国百老汇定期上演,深受欢迎。作为两部剧的导演,崔喆基表示自己受到了周星驰喜剧风格的很大影响,剧中还将穿插包括卓别林等不同的幽默风格。

著名演员

·堂本光一

  堂本光一,出生于日本兵库县芦屋市,日本艺能界着名男性偶像、演员、歌手、作曲家、作词家、创作人、舞台剧演员。所属经纪公司为杰尼斯事务所。与堂本刚于1993年组成人气团体KinKi Kids,1997年出道。到目前为止所有单曲CD作品,发行当周均获得日本Oricon公信榜第一,至今仍保持吉尼斯世界纪录。出演过很多舞台剧,2000年成为日本史上最年轻的座长(我国称为剧团团长,在日本有“帝剧座长就是帝剧的天神”一说)。

·莎拉·布莱曼

  莎拉·布莱曼1960年出生于英国伦敦,三岁开始学习舞蹈,十三岁首度登上了伦敦琴卡迪利剧院《我与亚伯特》舞台剧的演出,随后又加入了舞蹈团体:“潘神一族”和“丑闻”,后来在新伦敦剧院参与《猫》剧的原创和演出。1986年,在“英国女王陛下剧院”的演出使得这部名剧传遍了全世界,这次演出使得她获得了当年英国戏剧论坛奖的提名,两年后她将该剧带到纽约的百老汇。此外,她也曾在查尔斯史特落斯的儿童歌剧《夜莺》,韦伯的《歌舞剧》及《旋转木马》中演唱过,另外她还发行过许多跨界音乐专辑如“逝去的歌”、“卸除防备”、“末期的歌”,以及最近的“永相随”,这张成功的专辑在伦敦的艾比录音室进行录音。而最令人心动的主打歌“永相随”则是和意大利天王级的男高音流行歌手波切里与她一起合唱的。关于这首“永相随”还有一个感人的传奇故事:“永相随”这首曲子是德国拳王亨利·马克斯为告别他传奇的职业生涯而特别邀请他最钟爱的女歌手莎拉演唱的。莎拉在接受了这个委托后,再由她挑选了这首意大利歌曲并指名与波切里合唱。然而在这场1996年11月举行的拳赛中亨利意外失手,当他登场谢幕时,“永相随”那动人的旋律与之同时响起,莎拉伤感的歌声令闻者莫不动容。于是,一个传奇的告别时刻却是另一个音乐的传奇性的登场。
莎拉·布莱曼照
莎拉·布莱曼照
  “永相随”这首歌在欧美歌坛影响巨大,就连戴安娜香消玉陨,葬礼之前,BBC也是以这首歌作为对戴妃的最后告别。
  1992年到1994年间,她则进一步在多部音乐剧担任要角。几乎美国、加拿大、欧洲和日本各地的重要歌剧院、音乐厅、剧场和露天剧场都有她演唱的足迹。当今世界许多重要的指挥家和乐团都和她合作过。
  1992年她应邀与卡列拉斯一同在巴赛罗纳奥运会上演唱主题曲,1994年她曾与多明戈在日本一同举行古典音乐演唱会。这几次演出均获得一片赞誉,也确定了她乐坛天后的地位。

·Simon Callow

  1949年出生,当代英国戏剧舞台呼风唤雨的人物、最高级巴思爵士勋章获得者作为上世纪八、九十年代英国戏剧舞台呼风唤雨的人物、最高级巴思爵士勋章获得者,Simon Callow在电影中显得很低调,几乎从来也没作为主角出现。但在我看来,Simon Callow几乎可以算作英国文艺电影的象征,几乎数得着的文艺片,比如《看得见风景的房间》、《莫里斯》、《霍华德庄园》、《四次婚礼和一次葬礼》、《恋爱中的莎士比亚》、《诺丁山》……都有他的身影。尽管都是配角,但却是影片不可缺少的一味调料。
  令人惊异的是,Simon还是位很不错的作家,着作颇丰,专写演员传记(包括Charles Laughton、Orson Welles等)和表演专业着作(比如《Beingan Actor》)。
  此外,作为公开的同性恋者,Simon被赋予lesbian and gay hero的地位。据说,Simon Callow参演了去年在美国金球和艾美颁奖礼上风光无限的《Angelsin America》,这部剧有AlPacino、Meryl Streep、Emma Thompson等巨星加盟。

·森光子

  森光子,原名村上美津,从1961年10月20日开始在“艺术座”上演《放浪记》,美丽娇小的森光子对舞台艺术有着惊人的执着,这部精彩的音乐剧,其实按照我们来说可能更应该说是舞台剧,是日本最着名的舞台艺术家之一菊田一夫编剧、执导的精彩作品,一开始还年轻的森光子演出了之后,就再也找不到能够替代她的人选,所以到现在依然每年都在上演的《放浪记》,还是她在继续演出,并且早已成为她的舞台代表作。到2009年5月9日森光子89岁当天,本剧总上演次数已经达到2000场。森光子也因为《放浪记》成为当之无愧载入史册的日本舞台剧代表人物之一。

·谢君豪

  谢君豪毕业于香港演艺学院,毕业后即加入香港话剧团,在团里第三年即被升为首席演员,年仅30岁。在香港话剧团的8年间,他出演了多部脍炙人口的作品,尤以93年首演,后多次重演的《南海十三郎》最为着名,同名电影为他带来了一座金马影帝的奖杯。
  拿到奖之后,老谢又回到了话剧行业,继续他挚爱的事业。他于97年加入春天制作,演出多部剧目,为香港话剧走向寻常百姓家做出了突出的贡献。
  直到2000年,老谢开始北上拍戏,如今也近10个年头,01年,他的女儿谢采湳呱呱坠地,作为一家之主的他,知道自己身上的担子更重了。他也从未讳言拍电视剧的报酬更好,如今的他,在内地影视界,同样树立了良好的口碑,这与他的才华和努力分不开。

·杨婷

  杨婷是中国大陆著名舞台剧演员、导演。1995年毕业于中央戏剧学院表演系。毕业后先后任职于北京有线电视台和中央电视台。从1998年起重返戏剧舞台,成为中国话剧舞台上最耀眼的一颗明星。曾演过《恋爱的犀牛》、《臭虫》、《盗版浮士德》、《切格瓦拉》、《第一次的亲密接触》、《西区故事》、《关于爱情归宿的最新概念》、《他没有两个老婆》、《情人》等。2005年起,她开始转行当戏剧导演,曾先后推出《圣井》、《切·格瓦拉》、《大大大明星》等多部舞台剧,成为中国戏剧界少有的表演、导演俱佳的女性创作人才。

·苏玉华

  香港着名舞台剧演员。曾就读于香港演艺学院表演系,并以优异成绩毕业。其后加入香港话剧团成为全职演员。曾演出多出经典舞台剧作,如《我和春天有个约会》、《南海十三郎》、《伴我同行》、《蝴蝶君》、《虾碌戏班》、《莫札特之死》、《新倾城之恋》(2002/05/06版、美加、上海及北京巡演)、《生死界》及《你今日拯救佐地球未呀?》等。当中《我和春天有个约会》共演出超过100场,获得空前的成功,其电影版亦创下票房奇迹。
  曾多次被提名香港舞台剧奖,并分别在2003年凭《生死界》获最佳女主角(悲/正剧);1993年凭《虾碌戏班》获最佳女配角(喜/闹剧)。于2002 年演出《新倾城之恋》后,亦赢得『最佳白流苏』的赞誉。2006年,苏玉华更凭《新倾城之恋》荣获全国性舞台表演奖项殊荣,获颁发第十六届上海白玉兰戏剧表演艺术奖主角提名奖。同年获颁演艺家年奖- 我最喜爱舞台剧演员(金奖)。2006-2007年度获壹传媒选为十大电视艺人。

·潘灿良

  潘灿良作为香港话剧团的主要演员,在大部份剧目中饰演重要角色,而且以细腻的表演和具难度的角色令观众留下深刻的印象。
  毕业于香港演艺学院戏剧学院表演系,随即加入话剧团任全职演员,至今参演剧目逾80出,演绎过不少本地原创剧和古今中外名剧。其中被受注目的角色包括《南海十三郎》饰唐涤生、《德龄与慈禧》饰光绪皇帝、《如梦之梦》饰五号病人B、《黑鹿开口了》饰狂马、《家庭作孽》饰何必达、《凡尼亚舅舅》饰阿斯特罗夫医生、《请你爱我一小时》饰布约翰医生、《不可儿戏》饰华应真和《艺术》饰思哲。在《暗恋桃花源》中饰江滨柳、《我爱阿爱》饰林大勇和《家庭保卫队》饰风泽亦大受好评。
  演出以外曾参与《三人行》的编作、导演的工作,以及担任《拳手》的导演,并多次参与团内其它演出的副导演和助理导演工作。
  另外,潘灿良亦曾参演电影《人间有情》、《南海十三郎》及《爱情观自在》等,凭《南海十三郎》的演出分别获提名97年度台湾金马奖及98年度香港电影金像奖之最佳男配角奖。
  2005年,潘灿良获亚洲文化协会颁发奖学金前赴美国纽约进修戏剧。
罗冠兰照
罗冠兰照

·罗冠兰

  罗冠兰是香港资深舞台剧、电影、电视剧演员,戏剧导师。前香港话剧团首席演员,曾参与及演出近一百部舞台剧,均担演主要角色。在电影方面,因其精湛演技也多次获提名角逐香港电影金像奖、金紫荆奖及台湾金马奖之最佳女配角。九零年代中期起活跃于电视剧的演出,虽然大多为绿叶角色,但罗氏扮演的角色反差很大,亦庄亦谐,既能演韦春花,又能演武则天。凭借深厚的表演功力,罗氏将各种角色发挥得淋漓尽致,演贤妻良母,可以把观众感动得潸然泪下,而扮市井师奶,又能逗得大家捧腹大笑,尤其是她的招牌笑容,极具感染力。
  罗冠兰是香港演艺界学院派的代表人物。毕业于香港浸会大学历史系、英国伦敦密德萨斯大学 (Middlesex University) 东西方戏剧研究硕士,获香港大学专业进修学院Post Graduate Diploma(戏剧研究生),并修毕罗富国教育学院(历史及地理系)证书课程,以及英国伦敦珊萨密学院 (Sesame Institute, UK)“行为及戏剧治疗”证书课程,曾获第14届香港电影金像奖最佳女配角奖、香港十大杰出青年(1994)。

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·国内首部校园舞台剧将在平安夜温情上演

  2010年12月22日,由北京市海淀区教师进修学校附属实验学校出品的舞台剧《我们的学校名字很长很长》新闻发布会在该校的校园内隆重举行。
首部校园舞台剧宣传照
首部校园舞台剧宣传照
  此次舞台剧是由发生在校园里的真人真事改编,以中学师生生活为故事背景,以一位年轻教师的教学发展经历为主线,一反传统概念中的形象,从全新的角度去诠释教师这一角色。
  该舞台剧的主创人员表示:交流是他们要着力表现的部分。现当代学生是社会特别关注的一个群体。他们与学校以及家庭的矛盾已经成为社会焦点之一。该舞台剧讲述了课改进程中发生在教师、学生及家长之间一系列的冲突和情感的故事。其中包括:学生与家长一起准备并参加的演讲比赛;生物课要求学生们亲身接触各类动植物;设立书店经营课,让同学们体验经营的苦与乐;设立咖啡屋的经营课,让同学们学会怎样经营一个属于自己的小店,历练适应未来社会发展所需要的能力和素养、他们可能就是未来的社会精英或商界领袖;布置非常规、开放性的作业题等。
  这是中国中学教育首次突破传统的课堂教学模式,探索让课堂教学走上舞台的新课改之路。师生成为创编、排练、表演的主角,重新演绎进修实验学校师生在课改过程中发生的一系列的冲突和情感故事。在创、排、演的过程中,师生与剧中人物的心理、情感、精神世界进行对话,这种体验式育人模式,以舞台剧的形式,由师生自编、自演,激发了他们的激情,学生的学习兴趣空前高涨。为教育走进师生心灵,营造了天然氧吧。在这个过程中,师生重新认识自我,互动情感体验,精神世界升华。师生的创新思维、创新能力得到拓展,提升了生命价值。
  将师生成长过程中的人和事改编为校园舞台剧的创举,体现了海淀区教师进修学校附属实验学校对课程改革理念的深刻解读,为课程改革深化提供了新思维和更广阔的创新之路。
  该舞台剧得到“中国媒体界教育专家”李昂先生和目前国内最具影响力的八零后青年才俊导演王伟的鼎力相助。他们为学校的校本课程开发、学生社团建设和学生导演、演员水平的提高提供了专业支持。海淀区教师进修学校附属实验学校的师生及知名青年演员李小萌 (微博)倾力出演该剧,并邀请中央电视台着名主持人陈铎;《家有儿女》系列总导演林丛;着名演员英壮;着名演员马苏等多位业内知名人士作为该剧的艺术顾问,制作整容可谓强大。
  这次舞台剧的公演面向社会、面向所有关注中国基础教育事业发展、关注基础教育改革的社会大众。据悉,本剧将在2010年12月24日至2010年12月27日在北京民族宫大剧院连续上演四场。
  此次舞台剧的公演究竟会给教育界带来怎样的变化?对传统教育模式又会带来怎样的冲击?让我们拭目以待!

·舞台剧狂现明星脸

  最近上演的舞台剧中见到不少明星脸,正在国家大剧院上演的《原野》就囊括了北京人艺胡军濮存昕徐帆吕中四大老中青实力组合的明星阵容,国家话剧院即将推出的话剧《四世同堂》更是排出了剧院年轻一代实力演员集体亮相的重磅班底,囊括了辛柏青、朱媛媛、陶虹秦海璐,还有久未在舞台上露面的孙红雷。刚刚考上中戏研究生的陈好,也选择在话剧舞台上证明自己,饰演《日出》中的陈白露;演员王斑也在今年北京人艺纪念曹禺诞辰一百周年的特殊日子,担纲主演《雷雨》和《北京人》两部大戏。名角傍名著,本是锦上添花的事儿,但是一个不小心,也有可能“湿了脚”。
  明星 名著加身有保障
  演员要想证明自己通常有两条路可走,电视剧演员的“身价”必须要靠登上大银幕演电影才能被“推高”,巩俐章子怡这样的国际大牌明星从未有电视剧作品,而周迅赵薇李冰冰范冰冰在近几年走红以后拍电影越来越多,对拍电视剧的要求也越来越苛刻。
  而另一条路,就是影视演员要靠登上话剧舞台,方能证明自己的演技,虽然舞台剧的收入和影视比起来杯水车薪,但赢得口碑也是一种资本,所以明星话剧在最近几年的商业话剧市场热度不减。但既然舞台剧是个考验功力的考场,就免不了有不少演员在这里栽跟头,尤其那些常常在晚会中露个脸就以为了解话剧舞台的人,举个前几年的例子,潘长江演小品不错,一上台演话剧就露怯,一做动作,台词就说不清楚,戏没演完,台下不少观众就纷纷退场。朱时茂担纲主演的话剧《波音,波音》改编自法国喜剧,因为水土不服,也遭遇观众口碑与票房的双重质疑,还有众多超女、快男主演的舞台剧更都是恶评如潮。
  原来说“台上一分钟,台下十年功”,现如今明星没那么多闲工夫,要想露脸漂亮,又不能玩现了,他们不约而同地找到一条捷径 演名着。剧本是一剧之本,现在原创作品匮乏是不争的事实,至少在舞台剧最重要的剧本环节上先保证不失分,其次也在宣传上增加了很多噱头,这个秋天“名角傍名著”愈演愈烈,这也是演员降低风险提高演技的一条捷径。
  角色 深入人心看功力
  选择适合自己的剧本,可以说是每一个成功演员的首要条件,既然名著的魅力已被证明,那么下一步就要看这出戏如何为自己加分了。纵观最近几年通过舞台剧为自己演技加分的演员挺多,比如宋丹丹在《万家灯火》中扮演的老太太,刘晓庆白先勇的作品《金大班》中扮演的金大班,斯琴高娃在《月牙儿》中扮演的虫儿妈,还有最近宋春丽在霍达的话剧作品《海棠胡同》中扮演的唱大鼓书的肖夫人,无不是证明了她们演技的炉火纯青,尽管多年未登台,功夫还在身上。
  但很多年轻一些的演员可能没有那么深厚的功力,离开话剧舞台久了难免生疏。那么就要看他到底能否吃透这个角色了,比如正在上演的《原野》,胡军扮演的仇虎非常难得地获得了一致认可,就是因为胡军本人常年的“硬汉”形象跟仇虎这个角色基本是一致的。连导演也说,“除了胡军,一时想不出还有哪个男演员具备这样的气质。”因此,选择自己熟悉的角色套路,扮演同一类型的角色,也是更好地把握一部名著的要旨。同样的,陈好在完成“万人迷”、“貂蝉”这类妖媚形象之后,选择了话剧《日出》中的交际花陈白露来挑战舞台,也是一个万全之策。
  名著 能载明星亦能覆明星
  就像新版电视剧《红楼梦》遭遇广泛恶评恶搞一样,说明了一个最浅显的道理,就是“名著同样有风险,名角要演需谨慎”。名着之所以成为名着,就是因为在很多观众心中已经有了一个固定的模式,甚至有了被“神化”的趋向,不少创作人员下意识地在名着面前畏手畏脚,“改编还是不改编,真是一个问题”。
  一般来说,循规蹈矩的搬演容易得到观众的广泛认可,北京人艺由于剧院多年的传统和培养出戏迷的习惯,基本对待名着的态度都是原汁原味地搬演,此次任鸣导演的《日出》、顾威导演的《雷雨》与陈薪伊导演的《原野》都是尊重原著的套路。胡军、王斑、陈好的表演只要不出错,基本就可获得肯定。
  但有的明星显然不甘心这种“保全”稳妥的路线,比如濮存昕就选择了与以往角色差异很大的焦大星,完成这样有难度的挑战,对演员来说是更胜一筹的完美境界,当然风险也就更大。在纪念曹禺诞辰一百周年的四部名着中唯独有所不同的是李六乙导演的《北京人》,倾斜的舞台寓意着封建家庭的失重,带有实验性质,王斑在《北京人》中的演出也就刻意和周萍这个大少爷有所区分,能同时在曹禺两部作品中演绎出不同“大少爷”的风格,也证明了王斑在人艺接班濮存昕、何冰的潜力,这对于演员来说更为成功。

·李立群细说台湾舞台剧

  内地的观众认识李立群,恐怕是从无数部台湾电视剧开始,直到有一天,一段台湾相声剧《那一夜,我们说相声》通过不同渠道亮相,似乎才对李立群的身份有了新的界定,舞台剧演员,台湾职业剧团表演工作坊创始人之一,台湾话剧复兴、繁荣期的参与与见证者。与他的对话,不是台湾又一段娱乐史,而是将表演艺术融于血液的那帮人的人生故事。
  李立群:台湾演员,表演能力范围很广,口白精彩,是广告界的最爱,也是台湾难得的全才演员。1981年以《卿须怜我我怜卿》一剧获金钟奖最佳电视男演员奖,之后参演了多部电影演出,像《光阴的故事》、《黑金》等电影,为此他获得过台湾电视金钟奖最佳男演员奖、最佳社教节目主持人奖和1997年加拿大魁北克省国际影展最佳男演员奖。
  而他最为人熟悉的就是与赖声川一起成立了表演工作坊,参与了包括《那一夜,我们说相声》、《暗恋桃花源》、《红色的天空》、《谁家老婆上错床》等戏剧演出。还和李国修一起创立了“李氏风格”的相声剧,包括《那一夜,我们说相声》、《这一夜,我们说相声》和《台湾怪谈》,以上三部就是表演工作坊甚至是台湾剧场中最为经典的相声剧。这三部的录音带每一张都卖到四白金(《那》为六白金)以上,经典段子广为传颂,并且让已被人遗弃的相声重新风靡全台;在这里,李立群的演出让老一套的相声表演活络起来,他的台词功力和表演身段让一切显得舒服熨帖,笑料来得自然而然,《那》更将人们带进剧场,从此改变了很多台湾剧场的动作模式。
《那一夜,我们说相声》海报
《那一夜,我们说相声》海报
  涉足电视
  综艺小品是在拿肾上腺素去演
  李立群在念海专的时候通过中国青年剧团受到话剧表演启蒙,然而当时的台湾话剧仍处在一片惨淡的环境里,毕业后他只参演过一部舞台剧作品,无奈之下,惟有转战他最不喜欢的表演环境——电视公司。
  南都周刊:中国青年剧团是什么性质的团体?很火吗?
  李立群:不不,它不是一个很火的剧团,实际上,那时候台湾剧团也没有一个很火的。有一个在新中国成立前在重庆做艺专教授,叫做李曼瑰老师,70多岁,他组织了当时台湾一批优秀的戏剧老师,用国家给的经费成立了这样一个剧团,免费招生,老实说,我看到那个名字,还以为是教京戏的,就跑去了,结果一看原来是话剧,想着既然来了就报名呗,就报了舞台技术组,当时想学习打打灯光也很好玩嘛。那个剧团也有趣,就招过那一次生,一共20多人,所以其实那个剧团比较像是我们大学时期的课外业余兴趣小组,毕业了,也就烟消云散了。
  南都周刊:后来你也去参加了华视演员训练班,这个对舞台表演有帮助吗?
  李立群:没有,那个训练班其实是一个敲门砖,如果没有参加那个,你就没有办法以华视基本演员的身份去电视台演戏,我那一届1978年报名的人数有一两万,只录取20人。其实那个班学的东西更形式化,反而没有中国青年剧团学的具体踏实。
  南都周刊:在电视公司里的《综艺一百》也没有锻炼到你的演技么?
  李立群:我是从话剧的基本理论学习开始入行的,从旁观者来看当时的电视剧,就是很粗糙,这是它的一个特质,它不允许你慢工出细活,我们是很不喜欢这样的形式的,这个环境对演员是消耗大于成长的,只能更努力去学,所以在头几年我是以不聊天出名的,变成了其他演员眼中的怪人。至于《综艺一百》,确实就是实战,每场都要专注去做,而且这种小品式的表演跟一般正常表演的节奏是很不同的,小品的内容专门有个编剧在写,结果到后来几乎是焦头烂额,编不动了,就随便丢一个题目给我们这些演员,自由发挥。它的形式跟精神有点类似于现在王伟忠做的《全民大焖锅》,它们都是很急,要求立刻拿出东西来,所以逼得演员的神经很紧绷,最后我们形容这是在用肾上激素表演。
  回归戏剧
  直到看到赖声川我才有动力回舞台
  直到1984年赖声川出现,一直在关注台湾舞台剧演出的李立群才真正有了动力,想要做点什么,彼时,金士杰的兰陵剧团已经通过全新的艺术创作《荷珠新配》给戏剧界打了一剂强心针。
  南都周刊:你跟赖声川成立表演工作坊花了多少钱?
  李立群:一毛钱都没花,政府有一个考试官会过来看,结果一看到是我们三个人,也不敢考就走了。那时候有个机构叫新象文艺中心,许博允先生负责,他就在做艺术买办的工作,经常引进一些艺术团体表演,他帮我们出钱,负责那些场地成本。演出需要执照,我又找台北市政府社教司去办了一个表演艺术剧团的执照,对外我们则称为表演工作坊。赖声川学历最高,我们就叫他当团长。这个过程并没有压力,也没有什么使命感。
  南都周刊:怎么想到要创作《那一夜,我们说相声》?
  李立群:有一天赖声川说,相声怎么都好久不见了?台湾所有的媒体差不多有十几年看不到听不到相声,相声已经死掉了。于是我们构思,如果文化要跟你说再见的时候,不是政府投入多少钱就可以复兴的,而新的文化要产生,你也压抑不住。厘清了这个前提,我们就想借相声说一个再见,于是我跟李国修、赖声川三个人慢慢每天聊、每天聊,我也不作秀了,差不多搞了半年,才产生《那一夜,我们说相声》。
  南都周刊:这种相声剧的表演是当时其他剧团没有的?
  李立群:在表演坊以前,最重要的剧团应该是兰陵剧团,更早则有张小风的一个艺术团体,那时是台湾舞台剧最无奈、最灰暗的时期,张小风那个团体的表演方式有点类似林兆华的《赵氏孤儿》,我们称为散文剧,在我们心目中,那只是一种很华丽的舞台呈现,它没有戏剧冲突,不能叫作戏。《那一夜,我们说相声》还产生了一个新的创作模式即集体创作。
  南都周刊:结果轰动一时。
  李立群:当时不清楚大家会不会喜欢,我们的原则就是相信相声的第一精神,让人笑,要让观众笑多少呢?定了一个规矩,一分钟之内要让观众发笑,三分钟如果都笑不出就失败了。一开始打算在小剧场演,没想到彩排第一天大家就笑翻了,后来我们就改成在国立艺术学院,可以坐700多人,演了不知道多少场,场场爆满,后来又在国父纪念馆加演两场,那是2500人的场地,买票的人从仁爱路排队排到了信义路,大概三个钟头就卖光了票。
  影响全亚洲
  那时候蒋经国还在,但从来没有受过政治影响
  和台湾电视环境不同,台湾剧场的表演空间要大许多,对当年的职业剧团来说,政治层面的长官意志并没有扼杀创作空间,如何生存,如何进行艺术探索是那一代艺术工作者最艰难的课题。
  南都周刊:那时舞台演出生存空间大吗?
李立群照
李立群照
  李立群:从来没有受政治影响,那时候蒋经国还在,言论也没那么开放,但我们那群人的创作想法并没有受到禁锢,因为有太多事情可以聊,完全不需要去挑战执政者的幽默感,每一个做戏剧的人都会有这样的基本意识,在这条界限以上,你还有很大的理想空间去创作。反而是当时的电视剧会受影响,这个词不准说、那个词不准念,比如当时不可以出现国民党的犯人,连“后妈”这样的话都不能说,很奇怪。
  南都周刊:表演工作坊对台湾剧坛有多大的推动作用?
  李立群:兰陵剧团的《荷珠新配》一下子打出新的方向,正是因为它的出现,那批从国外回来的博士硕士如赖声川、胡耀恒等才有地方容纳。兰陵让观众重新走回剧院,是台湾舞台剧的一个转折点。而表演工作坊出现后,就慢慢取代了兰陵的票房位置,在它成立的头七八年,它的演出是每一年台湾舞台剧的重要事件。后来李国修从表演工作坊出来,成立了屏风表演班,赖声川教出来的学生如梁志民、罗北安,又成立了果陀剧场、绿光剧团,所以在那以后的十年间,台湾有大概六七个卖座的职业剧团。全都是民间个体的,可以说从1984年到1995年,台湾舞台剧呈现了焕然一新的面貌。我跟赖声川偶尔也会出现一种使命感,就是暗暗希望台湾的舞台剧能够走向健康壮大,台湾舞台剧的艺术性地呈现能影响全中国,甚至全亚洲……
  南都周刊:你在表演坊呆了11年,离开的原因是?
  李立群:主要是跟赖声川创作的想法不一样了。我当时反对我们培养出来的舞台剧演员去演早上看报纸、中午编剧本、晚上就演出的电视剧,即《我们都是一家人》,我觉得这会把演员这些年舞台上训练的表演情绪组合的能力和习惯大量破坏,他则执意要做,他觉得能这样演的人非常有才华。那时我体会到可以交一辈子的好朋友并不会共事一辈子,不过这种分歧超越是良性的,我跟赖声川到现在也不会脸红。
  结束语
  做好演员这份工
  从表演工作坊出来,李立群誓志做好演员一份工,但电视圈的制作环境并没有发生大的变化,从年轻时期就建立起“戏无好坏之分,只求用心演出”的价值观令他一路在戏剧表演路上坚持,从杨佩佩那些配角戏开始到主演内地剧集《田教授的28个保姆》,终于让观众对他真正有了印象,到现在,他仍然不挑戏,不等剧本,凭借对表演的热爱活跃在电视荧屏。

·那是林青霞唯一一部舞台剧

  赖声川,被称为台湾舞台剧的“垦荒者”。
  20年前,一部由他创作的《暗恋桃花源》点燃了一个舞台剧时代,此后《红色的天空》、《千禧夜,我们说相声》和《他没两个老婆》等许多“赖氏出品”,都先后在世界各地火爆巡演,口碑在全华人地区不做第二想。
  赖声川和李安这对密友,被奉为“国宝级大师”。
  今年12月8日至13日,赖声川将带着他的《暗恋桃花源》来到上海大剧院,在剧组排戏开始之前,本报独家采访了赖声川。
  比起李安更加幸运
  赖声川说,和李安相比,他是个幸运儿。
  从美国学成归国,赖声川的第一部舞台剧《暗恋桃花源》便大获成功,而好朋友李安,在家煮饭十年,才逮住机会拍《推手》。
  但本质上,两个做艺术的男人非常相似,他们骨子里刻着浓郁的故乡情结。
  “《暗恋桃花源》发生在中国,但故事相当具有宇宙性,它可以被理解成这个时代华人的心理感受,他们怀念故乡,向往桃花源。和李安的‘家庭’系列相似,这个故事20年,30年之后,仍然站得住脚。”
  1986年,《暗恋桃花源》最初创作时并没有写剧本,只构架出一个故事背景。赖声川和几个主角———妻子丁乃竺、金士杰和李立群,每晚聚在家里煮大锅饭,吃毕,大家撤掉餐桌开始排练,边演边即兴构思台词和戏剧冲突,揣摩观众能不能接受。
  “开始,我们没想商业上的事情,就想把戏做好,做到每个从不看舞台剧的人都想去看,那就算成功了。至于《暗恋桃花源》意外取得巨大的商业成就,我当然不反对。”赖声川很坦白,在《暗恋桃花源》前后几个版本中,他都邀请明星出演主角,“我们何必为了维护学院派作风,硬是要找不认识的学生做这个戏?有观众喜闻乐见的明星肯来演《暗恋桃花源》,何乐不为,反正有我把关。”
  赖声川反问,谁说舞台剧不可以又艺术又商业?
《暗恋》先后两位女主角袁泉与林青霞
《暗恋》先后两位女主角袁泉与林青霞
  他一直以自己的表演工作坊“票房养剧团”为骄傲,“说明观众足够喜欢我的戏,这是精致艺术最好的出路”。
  拥有林青霞的“唯一”
  《暗恋桃花源》是林青霞艺人生涯中唯一出演过的一部舞台剧。
  她对此剧感情之深,以至于《暗恋》纪念20周年的大陆地区巡演,林青霞欣然答应前往上海大剧院观看首映。
  “林青霞很难请动吗?我不觉得,打一个电话就可以啦!”赖声川腼腆地笑笑,就像是1992年《暗恋桃花源》再版,他打电话询问林青霞,愿不愿意出演《暗恋》部分的女主角“云之凡”。
  “你们还能找到比她更适合‘云之凡’的女演员吗?她不仅仅是完美的‘云之凡’,也是那个时代‘白茶花气质女孩’的代表人物。1992年前后,正是林青霞在琼瑶电视剧中最青春美貌的时候。如果说,有一个女人,是男人一辈子无法和她在一起,却又一辈子惦念着,那女人非林青霞莫属。”
  彼时鼎盛的林青霞,居然也同样为赖声川和《暗恋桃花源》名声所吸引,欣然前往。
  “林青霞真正是明星,一个时代的女人。”赖声川感慨,如今的快速娱乐年代,偶像年年批量生产,但明星已濒临绝种。
  看到汤唯的“明星气质”
  就在李安回到上海为《色戒》选女主角时,赖声川把汤唯推荐给好朋友,因为看到她身上有“明星气质”。
  “我第一眼看到这个女孩子,就对我妻子乃竺说,我猜汤唯毕不了业,她毕业前必然被人签走。果然,李安选角时,通过另外的渠道找到了汤唯。他当时来问过我,就像一个大老板聘用重要职员时需要向另一个大老板打听情况,我知道,就是她了。”
  11月赖声川在上海排练《暗恋桃花源》时,恰逢李安也在上海拍《色戒》,赖声川会去探好朋友班吗?
  “也许去一次,但不会很多,李安是个在拍戏时候很认真的导演。我们同年、同月差一天出生,脾气相似,我很了解这个老朋友。他拿了奥斯卡之后,完全没有必要再回亚洲拍戏,带新人,只要李安开口,有什么世界级明星不肯低头?但他仍然坚持《色戒》,就是希望为华人电影效力。”
  和李安抱着同样的信念,赖声川21年来从未停止为舞台剧开辟疆域。
  “上海人不需要崇洋,他们要相信自己的艺术,中国人的艺术不会比纽约或者伦敦的差。我的《红色天空》在纽约演出时,《纽约时报》记者曾找到后台,特地告诉我,《红色天空》比当晚纽约上演的其他近百部舞台剧都精彩。”
《暗恋桃花源》众演员
《暗恋桃花源》众演员
  听到如此褒扬的评论,赖声川并没有很高兴,他当时想的是———原来纽约每天晚上看戏的人有100个选择;台北人大概也有10来个选择;那么上海呢?两个,还是三个,或许一个也没有。
  “我都不能接受这个事实,何况上海人?舞台剧是一个大都市必需的文化活动。我希望这里的艺术家能从又商业又艺术的《暗恋桃花源》中,找到一个答案。”
  《暗恋桃花源》讲述了一个双线故事:《暗恋》和《桃花源》两个不相干的剧组,与同一个剧场签订了当晚彩排的合约。双方争执不下,谁也不肯相让。演出在即,他们不得不同时在剧场中彩排,成就一出古今相对、悲喜交错的舞台奇观。
  《暗恋》讲述一对恋人江滨柳、云之凡二战后在上海分别,约好来日再见。不料内战爆发,男子去了台湾,两人就此断绝联系。老年的江滨柳临死前十分惦念旧情人,登出寻人启事,想当年的女朋友去台北医院再见他一面。终于旧情人相见,岁月不再,感怀重现。
  而《桃花源》则是一部快速古装喜剧,渔人老陶的老婆偷汉子,老陶大怒出走,来到了桃花源。在那里他遇见一对夫妇,和自己的老婆及其奸夫长得一样。桃花源日子虽然快乐,老陶却总是想回家。等回到家,他发现奸夫淫妇生活并不快乐,失望之余老陶想再返桃花源,已找不到来时路。